LABORATORIO DE ARTES COMBINADAS

CONVOCATORIA ABIERTA

Fundación Kunayan lanza Convocatoria Abierta para el Laboratorio de Artes Combinadas 2024.

LAC es un espacio semanal, Clases polenta y encuentros de reflexión dirigido a todo artista visual, sonoro, performer, fotógrafe, artivista, educadore, poeta visual, realizador audiovisual, cineasta, sin importar la edad, trayectoria o estudios, que esté interesade en indagar sus prácticas en los campos visuales.  

En tiempos donde se celebra la artificialidad, Kunayan apuesta por encuentros cada vez más humanos, por procesos más concretos y tangibles, donde la experiencia de acuerparnos permita crear una piel colectiva.

Estamos segures que las imágenes, las narrativas y los procesos creativos requieren de comunidades empáticas que las cobijen, por eso este Laboratorio, porque las experiencias nunca son individuales y los aprendizajes se comparten.

Al pensar en procesos colectivos, nos viene Benjamin a decir «Sólo concebimos la felicidad en el aire que una vez respiramos, entre las personas que vivieron con nosotros. En otras palabras, al concebir la felicidad (…) se agita también la idea de la redención. Nuestra vida, por decirlo de otra manera, es un músculo que posee suficiente fuerza para contraer la totalidad del tiempo histórico.» Creemos que esa fuerza hecha cuerpo, cargada de sentidos, es un estado festivo dentro de nuestras prácticas. La fiesta, el ritual, la celebración, el intercambio serán los ejes que vertebrarán nuestros encuentros desde el hacer para construirnos subjetiva y colectivamente afirmándonos en la diferencia. Nuestro cierre anual está pensado desde la idea de fiesta : como acción, como hecho performático , como cuerpos celebrantes en este tiempo histórico.

Como Laboratorio tendremos un encuentro virtual semanal.  Uno de esos encuentros será una Clase Polenta a cargo de distintes artistas/curadore/gestore que en formato de clínica, seminario o conversatorio, nos permitirá ahondar en nuestras prácticas. Entre quienes nos acomapañarán en este 2024 contaremos con la presencia de Ana Gallardo (artista visual residente en México) , val flores (escritora), Guille Mongan (historiadora del arte y curadora), Nicolás Testoni (director del Museo Taller Ferro White y realizador audiovisual), Damián Cabrera (Museo del Barro, Paraguay), Valeria Semilla (docente universitaria, abridora de caminos colectivos en patrimonio material e inmaterial), Silvina Der Meguerditchian (Artista visual residente en Berlín), Laila Calantzopoulos(curadora, asesora de contenidos pedagógicos del Museo Moderno de Buenos Aires), G.A.C. (Grupo de Arte Callejero), Blanca Machuca (artista visual), Mantera Galería (autogestión y territorio), Natalia Forcada (artista visual, asesora en la presentación de proyectos), Juan Miceli (artista visual y realizador audiovisual), Patricio Escobar (director de cine), Javi Samaniego García (curadora) y Luciano Giambastiani (artista sonoro, docente e investigador).

En julio tendremos una instancia presencial, que nos servirá para preparar la exposición/fiesta/festival de diciembre.

Fechas importantes: 

  • Modalidad: Virtual sincrónico. Encuentros semanales martes de 18 a 21 hs. (Hora Buenos Aires)
  • Apertura de Convocatoria: 15 de diciembre de 2023
  • Fecha Límite de inscripción: 1 de marzo de 2024. 23hs Buenos Aires.
  • Festival Fiesta de cierre: diciembre 2024

Actividad arancelada:

  • Matricula de AR$45.ooo | usd $100
  • 9 cuotas mensuales de AR$45.000/usd $100, de marzo a diciembre 2024.

Coordinación: Jorge Sánchez, Melisa Rolón, Santiago Canción

La inscripción se realiza solo a través del formulario

Para consultas escribir a laboratoriodeartescombinadas@gmail.com

CLÍNICA DE OBRA

Pensarse artista representa no solo una decisión personal sino también un camino. Tu obra presenta una genealogía de artistas. ¿Qué tipo de artista sos? ¿Quiénes son tus referentes? Ana te ayudará a buscar referencias en tu obra para responder estas preguntas y continuar indagando. 

Ana Gallardo es una artista política, militante feminista, tejedora de vínculos que son parte de su vida y de su obra. Desde este posicionamiento, disputa sentidos en el arte contemporáneo.

Trabaja con los lenguajes que están al alcance de su mano, es autodidacta y autobiográfica. Su madre era artista y murió cuando ella era muy chica; como su madre, comenzó pintando. Después de varios intentos fallidos de ser reconocida por su trabajo, de enviar sus obras a diferentes concursos, e intentar insertarse en un mercado pensado principalmente para hombres, decidió cerrar su taller. Ordenando sus cosas, en ese afán de darle fin a una etapa, ató con cinta de pintor cada una de sus herramientas y las pegó a la pared. Cuando un amigo llegó a la casa y vio lo que había hecho,  pensó que ahí había una nueva obra. En el ojo que observó y en la propia Ana nació un medio, que era pictórico pero también escultórico, en el que encontraba forma un nuevo modo de producir.

A partir de ese momento, el rumbo de su vida artística dio un giro que la llevó a realizar diferentes performances, desde armar una casa rodante con sus cosas y llevarlas tiradas por su bicicleta hasta la galería, a encintar todos los objetos que pertenecieron a los hombres que pasaron por su vida, pero sobre todo a visibilizar la violencia machista tanto en el arte como en la vida en general.  Ella misma, su existencia, es su propio material. El tema es siempre lo que la conmueve, lo demás suele ser anecdótico. Su práctica surge del vínculo con otros y a partir de una actividad puntual que muchas veces ocurre por fuera de los límites de la sala de exhibición. La violencia, en particular en el mundo de las mujeres, la vejez, la precariedad, suelen ser ejes constantes en su obra.

Aunque a lo largo de los años su trabajo ha experimentado diferentes metamorfosis, en su quehacer artístico hay un horizonte común: reparar el daño, ayudar y acompañar al mismo tiempo que se produce obra.

Durante el Laboratorio de Artes Combinadas Ana dirigirá un proceso de clínica con foco en la genealogía personal que te ayudará a pensar los horizontes para tu obra y tus proyectos.

Ana Gallardo

Artista Visual, Ciudad de México - México

LA ESCRITURA ¿ES UNA PRÁCTICA ARTÍSTICA?

¿qué memorias normativas habitan nuestra escritura? ¿qué palabras se instrumentalizan desde las instituciones como modos novedosos de hacer arte? ¿cómo nuestras prácticas de escritura son modos de investigar y crear artísticamente? ¿cómo hacer de cada palabra una experiencia sensible y de la escritura un estado de pregunta que perturbe las relaciones de composición erótica de nuestro pensamiento?

Un espacio experimental para explorar estas –y otras- preguntas mediante un trabajo inmersivo en la experiencia de escritura como microescena de poder, en el que se juega una relación con el propio cuerpo y con l*s otr*s. La posibilidad colectiva de pensar  la escritura como travesía creativa y metodología afectiva de torsión conceptual y corporal para exhumar nuevas formas de imaginar.

val flores. Obrera sensorial en el desarmadero de la lengua. Investigadora independiente, escritora, docente, activista de la disidencia sexual y performer. Su trabajo teórico y poético se sitúa en el cruce entre prácticas pedagógicas feministas y queer y prácticas artísticas, interrogando las escrituras y los cuerpos en las situaciones de (des)aprendizaje. Actualmente coordina talleres de escritura en los que el cuerpo se vuelve experiencia sísmica de la pregunta. Entre sus publicaciones se encuentran: Deslenguada. Desbordes de una proletaria del lenguaje (2010), interruqciones. Ensayos de poética activista (2013), El sótano de San Telmo. Una barricada proletaria para el deseo lésbico en los ‘70 (2015), Una lengua cosida de relámpagos (2019), Romper el corazón del mundo. Modos fugitivos de hacer teoría (2021), Labiar el desierto (2022).

val flores

escritora, Buenos Aires - Argentina

RE PENSAR EL LUGAR DEL MUSEO EN EL TERRITORIO. 

¿Cómo pensar tu obra desde la relación territorio museo? ¿Qué mirada de museo tengo? ¿Cómo pensar la relación comunidad-museo para mi proyecto?

¿Qué objetos son museables?

El Museo es una institución con mucha incidencia en el campo del arte, poder trabajar junto a directores de estos espacios nos acerca diferentes miradas que nos van a servir para presentar proyectos.

Nicolás Testoni cursó estudios en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires. Es director del museo taller Ferrowhite, ubicado en el puerto de la ciudad de Bahía Blanca. Se ha desempeñado como docente del Laboratorio TyPA de Gestión en Museos, del posgrado en Gestión Cultural de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Nacional de Córdoba y del programa “Museos, formación y redes” de la Dirección Nacional de Museos de la Argentina. Además, es realizador audiovisual, labor por la que ha recibido el apoyo de las fundaciones Jan Vrijman (2005) y Prince Claus (2007) de Holanda, y distinciones en el Festival Videobrasil (San Pablo, 2007), la Bienal de la Imagen en Movimiento (Buenos Aires, 2016) y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (2020).

Nicolás Testoni

Director de Taller Museo Ferrowhite, Bahía Blanca - Argentina

EL LUGAR DE LO POPULAR EN EL MUSEO

Pensar la relación de las categorías de lo que es museable, aquello que es necesario preservar, habla de una comunidad. En esta charla trabajaremos sobre la historia del Museo del Barro creado por una comunidad de artista y curadores en la que se destaca Ticio Escobar y Lía Colombino. 

Escritor, investigador, docente, gestor cultural y curador. Licenciado en Letras por la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional del Este (2009) y Máster en Filosofía del Programa de Pos-graduación en Estudios Culturales de la Escuela de Artes, Ciencias y Humanidades de la Universidade de São Paulo (2016). Actúa en las áreas de lengua, literatura, fronteras, arte, política y cultura. Participó del seminario Espacio/Crítica. Integra el colectivo Ediciones de la Ura, la Red Conceptualismos del Sur (RedCSur), el Grupo de Investigación Estudos Culturais: Identidades e Cultura Política de la EACH-USP, y la Asociación Internacional de Críticos de Arte capítulo Paraguay. Es docente en la Licenciatura en Cinematografía de la Universidad Columbia del Paraguay y la Licenciatura en Artes Visuales del Instituto Superior de Arte de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes de la Universidad Nacional de Asunción. Coordina el Departamento de Documentación e Investigaciones del Centro de Artes Visuales/Museo del Barro. Ha curado exposiciones de arte en Paraguay. Sus textos han sido publicados en Brasil, Argentina, Estados Unidos, Bolivia, Ecuador y México. Es autor de la novela Xiru (2012). Fue coordinador de actividades de la Fundación Migliorisi/Colecciones de Arte y la Biblioteca Cervantes del Centro Cultural de España Juan de Salazar en Asunción.

Damián Cabrera

Museo del Barro , Asunción - Paraguay

PRESENTACIÓN DE PROYECTOS ARTÍSTICOS Y PEDAGÓGICOS A MUSEOS

Es gestora cultural, curadora, docente e investigadora. Trabaja en la organización, el diseño y la implementación de programas culturales, artísticos y educativos con un enfoque integral y comunitario. Desde el 2017 es parte del Equipo de Educación del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde se desempeñó como educadora y coordinadora de los programas de capacitación en arte y educación, orientados a docentes y trabajadores de la cultura. Entre el 2021 y 2022 estuvo a cargo de la jefatura del Departamento Educativo y en la actualidad es asesora de la misma área. Es investigadora en el Instituto de Investigación y Experimentación en Arte y Crítica- UNA. Dicta seminarios y clases especiales sobre los cruces entre arte, curaduría y educación en diversos espacios como UNA Extensión, UADE ART, PAC Curadores Gachi Prieto Galería, entre otros. 

Laila Calantzopoulos

Museo Moderno de Buenos Aires, Ciudad de Buenos Aires - Argentina

GESTIONAR PATRIMONIO

 Valeria Semilla es Licenciada en Historia del Arte. Se desenvuelve como docente universitaria en varias universidades nacionales y provinciales.

Ha trabajado en dirección de arte y contenidos en series de arte argentino. Integró y dirigió los departamentos de curaduría de MALBA Y MAT, consecutivamente.

Estuvo al frente del Departamento de Patrimonio del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires con un proyecto transversal junto a Conservación, Biblioteca y Archivos.

Actualmente es Asesora de Patrimonio Subsecretaría de Políticas Culturales, Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires

Valeria Semilla

Asesora de Patrimonio Subsecretaría de Políticas Culturales, Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires - Argentina

LA DEVOCIÓN POPULAR Y LA FRONTERA

Es curadora, artista y activista anticapacitista. Realizó estudios e investigaciones en FAU – UNLP y participó en programas como CIA (Centro de Investigaciones Antifascistas), el Programa ‘ArtistasxArtistas’ y la Clínica “AB-ELE” (CABA). Ha sido jurado y artista en ferias y salones, obteniendo premios y becas. Realizó muestras individuales y colectivas tanto en museos como en galerías. Ha participado en festivales y congresos, centrándose en la investigación y devoción popular. Su enfoque se dirige hacia áreas de frontera, bordes disciplinares y temas relacionados con disputas territoriales, el cuerpo disidente y sus afectaciones. En el campo del activismo, participa en la organización del “Día del Orgullo Loco”.  

Actualmente, es curadora de la Galería G.A.Y.A. (La Plata) coordina la clínica “Locomia” (Htal de Romero),  participa en XVI edición Programa de Artistas de la UTDT (2024/25) y es docente en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (UNLP).

Javi Samaniego García

Curadora, La Plata - Argentina

MODOS DE HACER COLECTIVO. La práctica artística desde una perspectiva transfeminista. 

Es historiadora del arte (FDA-UNLP), docente, investigadora, curadora y artista.
Es miembro de Red Conceptualismos del Sur (plataforma de exploración, discusión y toma de posición colectiva desde América Latina), y del colectivo de investigación curatorial Frente Sudaka.
Desde el 2012 forma parte del grupo Serigrafistas Queer -donde también coordina su archivo ASK-, y desde 2016 participa en Cromoactivismo. Investiga y produce en torno a las metodologías, narraciones y performatividades, focalizando en las prácticas artístico- políticas y en la exploración del archivo como espacio de experimentación de relatos y memorias.

Guille Mongan

Historiadora de Arte y Curadora, La Plata - Argentina

LA AUTOGESTION COMO MOTOR

Silvina es nieta de inmigrantes armenios en Argentina y vive en Berlín desde 1988. En su trabajo artístico aborda cuestiones sobre la carga de la identidad nacional, el papel de las minorías en la sociedad y el potencial de un «intermedio». espacio. Silvina está interesada en los efectos de la migración en el espacio urbano y sus consecuencias. La reconstrucción del pasado y la construcción de archivos son un tema recurrente en su investigación artística. Su trabajo es multidisciplinar y utiliza diversos medios.

Desde 2010 es directora artística de Houshamadyan, un proyecto para la reconstrucción de la vida de las ciudades y pueblos otomanos-armenios.

En 2014/2015 recibió una beca de la Academia Cultural Tarabya, un programa de residencia del Ministerio de Asuntos Exteriores alemán y del Goethe-Institut de Estambul. También participó en Armenity, el pabellón que recibió el León de Oro en la 56° Bienal de Venecia a la mejor participación nacional.

Desde 2008 trabaja habitualmente con Ballhaus Naunynstrabe y Maxim Gorki Theatre, donde desarrolló diversos proyectos y actuaciones conjuntas.

Silvina Der Meguerditchian

Artista Visual, Berlín - Alemania

ARTE Y POLITICA

GAC / GRUPO DE ARTE CALLEJERO está integrado actualmente por Lorena Bossi, Carolina Golder, Mariana Corral, Vanesa Bossi y Fernanda Carrizo. Todas viven y trabajan en Buenos Aires.

Se formó en 1997 en Buenos Aires, a partir de la necesidad de crear un espacio en donde lo artístico y lo político formen parte del mismo mecanismo de producción. Sus intervenciones varían los formatos y abordan desde la performance, el simulacro, el fake, la guerrilla de la comunicación, la tergiversación de la gráfica publicitaria, las acciones de intervención en la calle, el video, la instalación, entre otras. La mayor parte de su trabajo es anónimo, y fomentan la reapropiación de sus producciones por parte de otros grupos en contextos locales o internacionales.

En 1998 comienzan a participar de los escraches de la agrupación H.I.J.O.S. con la creación de una señalética de denuncia basada en la tergiversación de los códigos urbanos. En 1999 resultan ganadoras del Concurso de Esculturas para el Parque de la Memoria con su obra Carteles de la Memoria, la que se encuentra emplazada dentro del Parque.

Han trabajado de manera colaborativa con organismos de derechos humanos, sindicatos independientes, agrupaciones políticas no partidarias, organizaciones de desocupados y grupos de investigación en diversas áreas de la cultura

Han participado de muestras y eventos, entre los cuales se mencionan: 50° Bienal de Venecia (2003), Ex Argentina. Museo Ludwig, Colonia, Alemania (2004). Cartografías Disidentes, SEACEX (2008 – 2009). Panteón de los Héroes, Fundación Osde, Buenos Aires

(2011). Nuevas Realidades Video-Políticas, ciudades de España y América Latina (2012 – 2013). Cartografías Poéticas de la Memoria, Centro Cultural Haroldo Conti, Buenos Aires (2012). Objetos desobedientes Victoria and Albert Museum, Londres (2015). Migros Museo

Zúrich (2016). Retrospectiva «LIQUIDACION X CIERRE» Sala PAyS del Parque de la Memoria (2017). Artivism, Bienal de Venecia.

(2019). Cartografías de la memoria, Museo de la Memoria de Canadá (2021)

Participaron como artistas invitadas en los festejos del Bicentenario, con la videoinstalación Antimonumento (Buenos Aires, mayo 2010).

En 2009 publicaron el libro Pensamientos, prácticas y acciones del GAC, Ed. Tinta Limón. En 2019 se editó el libro en México «Que no se calmen las aguas» Por Fiebre Ediciones. En 2019 la editorial Common Notions, traduce y publica al inglés, el libro «pensamientos prácticas y acciones».

Carolina Golder

Artista Visual, Buenos Aires - Argentina

PENSAR LA PRODUCCIÓN INDEPENDIENTE

Licenciado en Cs. de la comunicación; Magister en Documental Periodístico. Como director realizó seis largometrajes de cine político. Como director de fotografía fue parte del equipo de producción de largos y cortos los pueden ver ingresando en: www.artocine.com.ar 

Como parte de A r t Ó CINE, Patricio construye una producción colectiva, modalidad de trabajo de la cual aprenden en la práctica y que les abre diversos caminos para trabajar fuera de los moldes establecidos que dicta la industria del cine. También tratan de escapar del academicismo y profesionalismo muchas veces utilizado como privilegios del saber, que impiden transmitir las experiencias y conocimientos, para comenzar a pensar otros tipos de organización y producción.

Entre las películas que realizó como director se destaca LA CRISIS CAUSO 2 NUEVAS MUERTES (2006) El film reconstruye y analiza los hechos ocurridos en la Masacre de Avellaneda, las maniobras políticas del gobierno y la manipulación de la información por parte de los grandes medios de comunicación sobre los asesinatos de dos militantes del movimiento piquetero, Dario Santillan y Maximiliano Kosteki.
Esta producción recibió el Primer Premio Festival Nacional de Documentalistas, y Premio del público Festival Nacional de Documentalistas 2006. Mejor Montaje Festival de Atacama, Chile 2006. Mención “José Luis Cabezas” mejor documental periodístico. VI Festival de cine y video Documental de Avellaneda, Argentina. Declarado de Interés Cultural por la legislatura de la ciudad autónoma de Buenos Aires.
Patricio Escobar

Director de Cine Documental, Buenos Aires - Argentina

DONDE ESTÁ EL DINERO PARA LXS ARTISTXS

¿Por dónde circula el arte? ¿Cuáles son las voces que legitiman la pertenencia o no al campo de lo estético? ¿Desde dónde nos enunciamos les artistes que pretendemos un arte contrahegemónico? Y en este sentido, ¿cuáles son las nuevas relaciones del arte con el mercado? Muchas de estas preguntas nos hicimos quienes llevamos adelante este proyecto.

Mantera Galería en la Feria Popular de La Banda, Sgo del Estero. La característica de nuestra ciudad es ser urbana y rural a la vez, su identidad “campesina” está presente en los gestos, los modos, las formas que dan contorno al territorio y su comunidad. Poner en diálogo un espacio feriante (sinónimo de trabajo precarizado, circulando en los márgenes de la legalidad, abasteciendo y despachando en negro y sin boleta) con una galería de arte, provoca la reflexión sobre las prácticas de supervivencia inherentes a lo social, económico, cultural y ambiental. La búsqueda de comercialización del objeto artístico en este territorio ya de por sí periférico nos cuestiona, nos interpela constantemente acerca de la relación (y la ecuación) arte y economías y nos provoca seguir en la búsqueda de una circulación que se inventa (y ficciona) para dar respuesta a la pregunta: ¿dónde está el dinero para lxs artistxs? Mientras, seguimos gestionando un coleccionismo popular.

Agitamos:

Pao Lunch (Neuquén), Mane Guantay (Tucumán), Víctor Moresi (Sgo del Estero), Mauro Rosaz (Rio Negro), Mostro (Cordoba), Nestor Basualdo (Sgo del Estero), Vanina Badrach (Neuquén),Maria Rocha (La Banda, Sgo del Estero).

www.manteragaleria.com.ar

María Rocha

Artista y Gestora Cultural, Santiago del Estero - Argentina

CÓMO PRESENTAR TUS PROYECTOS A CONVOCATORIAS

Asesora de artistas, gestora, curadora y artista contemporánea. Egresada en artes visuales de NODE CENTER | Berlín, de cine en Universidad del Cine | Argentina y Diplamatura en género de Museo Evita | Argentina.

Dictó clases en Argentina [ UNTREF, UCES y UNIVERSIDAD del CINE – FUC] y Brasil (Instituto Adelina, San Pablo). Trabajó como  gestora cultural y productora de cine durante 8 años. Hace más 10 años se dedica a asesorar artistas nacional e internacionalmente.

Fue jurado, tutora y disertante en España, Brasil y Argentina. Expuso y realizó residencias en Italia, España, Colombia, Ecuador, Brasil, Uruguay y Argentina. Recibió más de 25 distinciones y premios nacionales e internacionales, entre los que se destacan:  selección del Salón Nacional Palais de Glace 2023 | becas creación de FNA 2016 y 2021 | Mecenazgo 2020 y 2021 | Fondo Metropolitano 2022 | selección a Fundación Andreani 2021 e Itaú 2018 | residencias en EAC Uruguay 2023 y en Intituto Adelina San Pablo, Brasil 2018 | entre otros.

Natalia Forcada

Artista y Gestora Cultural, Ciudad de Buenos Aires - Argentina

ARTE Y TECNOLOGÍA. LABORATORIO DE REALIZACION EXPERIMENTAL

Soy artista audiovisual, diseñador de indumentaria (FADU/UBA) y maestrando en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTreF). Entre enero y julio de 2023, trabajé como Research Intern en la Universidad de Concordia (Montreal). Sostengo la práctica artística como investigación-creación que consiste en proponer acciones alternativas a las hegemónicas. Entre 2002 y 2013, trabajé como director de arte y diseñador de vestuario de largometrajes y comerciales. Desde 2021, produzco el Encuentro Videojuegos Argentina (EVA) en CCK.

Fui seleccionado en: Becas ELAP (Gobierno de Canadá, 2023),  SID-UNTreF (2023), Mecenazgo Cultural (Soberanía Cerámica, 2021), Voltaje Salón de Arte y Ciencia (Colombia, 2020), Residencia SM02 (UNSAM-CCGSM, 2019), Becas a la Creación (Fondo Nacional de las Artes, 2017); IV Ciclo de Performance (Galería Pasaje 17, 2017) ; expressiones Cultural Center residencia de video arte (New London, Us, 2014); Beca ABC (Buenos Aires, 2013); Becas Nacionales FNA(Bs As, 2012); Beca Ecunhi-FNA 2011.

Juan Miceli

Artista Visual y Realizador Experimental, Ciudad de Buenos Aires - Argentina

SONAR. TALLER EXPERIMENTAL

Luciano Giambastiani nació en la ciudad de San Salvador de Jujuy. Es compositor, clarinetista, saxofonista, performer, artista sonoro y docente. Su obra Cinis resultó la ganadora del 2do Concurso Iberoamericano de Composición Coral. Se formó en la Escuela Superior de Música de Jujuy, Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA, Instituto Universitario Nacional de Artes, Diplomatura Superior en Música Contemporánea en el Conservatorio Manuel de Falla, y Doctorado en Música, en la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA. Su producción abarca música sinfónica, de cámara, obras para instrumentos solistas, medios mixtos, música electroacústica, procesamiento en tiempo real, multimedia, arte sonoro, audiovisuales, videoarte performance, instalaciones, intervenciones sonoras, música para teatro, para cine, para ballet, para escena y un etc que no deja de experimentar.

Luciano Giambastani

Artista Sonoro e Investigador, Ciudad de Buenos Aires - Argentina

TALLER DE VIDEOPERFORMANCE 

Nací en mayo. Me llamaron Santiago, con dos nombres y dos apellidos para marcar mi singularidad ante los registros militares, mi papá había recibido visitas inesperadas y mis primos nacieron en el exilio. Fui el cuarto de la familia, y de pequeño me refugié en el dibujo. Recuerdo dibujar varias veces lo mismo encontrando placer en la línea. Hasta la secundaria mis veranos transcurrieron en la montaña aislados por varias horas en camión, y unas cuantas a caballo. Recuerdo llenar varios cuadernos dibujando montañas. Cuando terminé el secundario me hice maestro de primaria. Trabajé un invierno en una escuela rural en Santiago del Estero, y en experiencias similares en Neuquén, Formosa, y Chaco. El 2001 me introdujo en experiencias de militancia social durante diez años. El 2004 me hizo papá y aprendí de gestión. En el 2010 comencé a salir todos los fines de semana a pintar a la calle, casi compulsivamente. El territorio urbano y mis caminatas hicieron brotar un tipo de poética del andar que ahora se traduce en performance, video e instalaciones. Me asumí como Santiago Canción mientras pintaba en la calle, hoy creo que fue para afirmar lo urgente del movimiento.
Desde el 2013 gestiono, activo y promuevo colectivos artísticos. En el 2019 junto a María Soledad Bagdasarian y Juan Bernal creamos Fundación Kunayan, una institución donde impulsar narrativas críticas. Actualmente me encuentro terminando mi primer largometraje Instantes de Peligro.

Ha recibido: la declaración de interés del INCAA (Insituto Nacional de Artes Audiovisuales- 2023), Beca a la Creación del Fondo Nacional de las Artes de Argentina (2022 y 2021), Beca Gestionar Futuro del Ministerio de Cultura de la Nación (2022), Beca ArtHaus a las Artes Escénicas y Performáticas (2022), Beca a la Formación del Fondo Metropolitano de las Artes de Buenos Aires (2021), Beca Mecenazgo (2021 y 2020), Beca a la Producción de la Cancillería Argentina (2015) y la Declaración de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires (2015).

Su trabajo “Kipu, construcciones colectivas” fue proyectado en una decena de festivales, recibiendo el premio de Mejor Cortometraje Experimental del Festival de Cortometrajes de Roma (2022) y Mejor Cortometraje del Festival de Realizadores Independientes de Toronto (2022).

Santiago Canción

Artista Visual, Gestor y Realizador Audiovisual

COORDINACION DEL LABORATORIO

Nací el 18 de mayo de 1971 a las 4.10 hs en Paso de los Libres, Corrientes. Soy el décimo primer hijo de Olga y Lucio y el único que nació en esa ciudad fronteriza con el sur de Brasil.
De chico jugaba con unos vecinos, cuya madre hacía unos tapices sobre arpillera con retazos de paño lenci, me quedaba en esa casa hasta bien entrada la noche.
Años más tarde empecé a estudiar Dibujo y Pintura en un curso que abrió la Escuela de Bellas Artes de Corrientes en nuestra ciudad.
A finales de enero de 1991, me vine a Buenos Aires y fueron la Plaza de Once y la Escuela de Bellas Artes de la Avenida Las Heras quienes me recibieron.
En el año 93 conocí a Paula Adamo en esa escuela. Tenemos 1 hija y 2 hijos. Posteriormente me formé en Educación por el Arte en el Instituto Vocacional e Arte, en Lenguajes Artísticos Contemporáneos en CePA y en Arte y Educación en la UNSAM
Talvez el hecho de haber nacido en una ciudad fronteriza hizo que me interesaran temas que generalmente estuvieron/ están al borde, a los costados del arte: las devociones populares, el sincretismo, lo artesanal, las representaciones visuales de la infancia, el llamado Art Brut.
Siempre elaboré mis trabajos en función de algunos de esos temas y los materiales que tengo o que encuentro, transformandolós en, amuletos, relicarios o partes importantes de alguna obra y juego con la idea de “lo precioso”, “lo preciado”, “lo útil”, “lo inútil”.
Vivo y trabajo en Flores, muy cerca del Parque Chacabuco, en una zona casi fronteriza de la ciudad.

Jorge Sánchez

Artista visual y docente, Ciudad de Buenos Aires - Argentina

COORDINACIÓN DEL LABORATORIO

Nací un 4 de octubre de 1995, me crié y viví toda mi vida en el coburbano sur de la provincia de Buenos Aires.

Desde que tengo memoria mis momentos libres siempre estuvieron acompañados de dibujos, pinturas, películas. Llegada la adolescencia decidí hacer de ese hobby un estudio y me forme como Técnica en Ilustración. Ame cada día, hora y segundo que pasaba en los talleres de pintura, dibujo y grabado del colegio.

A los 16 gracias a una docente con una gran vocación tuve mis primeros acercamientos a un especie de taller que involucraba la curaduría, el montaje y la producción. Impulsada por la idea de una cultura al alcance de todes, decidí seguir mi formación como Licenciada en Curaduría de artes.

Mi inquietud y curiosidad me llevó a participar en espacios como el MACBA, BA Photo, Tecnópolis, realizar producciones y curadurías independientes que me ayudaron a encontrar mi pasión por el arte en espacio público. Hoy me encuentro realizando una Diplomatura Superior en Humanidades Ambientales en Untref donde sigo investigando y realizando proyectos a partir del vínculo humano y de otras especies con el territorio.

Melisa Rolón

Curadora, Ciudad de Buenos Aires - Argentina

Preguntas que quizás te estás haciendo

¿Para quién es el LABORATORIO DE ARTES COMBINADAS?

LAC está dirigido a todo artista visual, sonoro, performer, fotógrafe, artivista, actore, educadore, poeta visual, cineasta, sin importar la edad, trayectoria o estudios, esté interesade en indagar sus prácticas en los campos visuales.

¿El programa es Virtual?

Sí. El programa es virtual y sincrónico, con dos experiencias presenciales. La primera en julio, donde comenzaremos a pensar en la propuesta final. 

Todos los martes de 18 a 21 hs. realizaremos un encuentro virtual sincrónico para la realización de las clínicas y seminarios.

Soy parte de un colectivo ¿Puedo participar del programa?

Sí. El programa está abierto a colectivas formados con anterioridad. En el momento de la aplicación la Biografía y las fotos de obra deben corresponder al trabajo realizado como colectivo.


¿Puedo participar del programa sino estoy produciendo?

Sí. El programa se enriquece con las producciones de cada une de sus participantes. Sin embargo puedes formar parte del programa y no producir para la experiencia final. 

¿Puedo participar de la experiencia final sin participar del programa anual?

No, para nosotros la experiencia de conocernos es sumamente importante. La experiencia final es parte de todo ese proceso. Esperamos desarrollar un vínculo con cada artista y participante del programa que enriquezca el laboratorio. 

¿El Laboratorio está pensado sólo para artistas visuales?

No, pensamos un espacio de experimentación que desborde las disciplinas y los lenguajes. Creemos que en ese cruce nos enriquecemos. 

 

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